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3: Títulos vistos y notas (101-150)

by 2plus2

Created 03/31/17

Edit List

En Marzo 31, 2017 comienza la tercera lista que tiene la finalidad de continuar registrando todos los títulos vistos dentro de la colección, se incluirá una puntuación (10 máximo) según mi apreciación más un breve comentario, al final contemplará 50 títulos, del 101 al 150 (según el orden cronológico en que se han ido apreciando desde que se descubrió la colección en septiembre del 2016), Los títulos estará ordenados según la evaluación no según la fecha en que se vieron.

  • 10
    A veces la alegría de ver una película se complementa con el reconocer la tremenda dicha de contarla entre las vistas, estas es una de esas. Resulta complejo dentro del movimiento Neo-Realista italiano escoger una favorita, hasta esta experiencia destacaba como preferida a Ladrones de Bicicleta, pero Cabiria golpea con la fuerza característica de la miseria humana cuando es bien concebida dentro una obra, lástima y compasión, sorprende que es hacia un personaje del cual uno esperaría sentir cualquier cosa menos aquellos sentimientos, una prostituta, que además por momentos hace pensar en el valor del conocimiento como herramienta humana para tomar decisiones acordes con las circunstancias y evitar exponernos a peligros innecesarios, Cabiria, nombre de la protagonista, tropieza reiteradamente con la misma piedra, muchos manifiestan que por ingenuidad pero ignorancia pareciera más apropiado, ello mesclado con enormes deseos de amar y ser correspondida, lo cual nubla su poder de discernir entre sensatez e ilusión, el banco de gestos de Giulietta Masina le garantizó el prestigioso premio de Cannes por su gran desempeño además Massina alzó el Oscar en nombre de Fellini (director) y Di Laurentis (producción) por mejor filme de habla no inglesa que otorgaría la academia en 1958. Cabiria, desde mi perspectiva cuenta con el final más contundente y desgarrador de la historia del cine, su personaje nos transmite un mensaje cargado de coraje desde su posición de víctima y la determinación de perseguir el objeto de nuestros deseos aun cuando no existe la más mínima pista sobre la posibilidad de consecución, innecesario argumentar en exceso sobre la muestra y su contenido, baste decir que se siente como una de las mejores películas de todos los tiempos. 12-mayo-2017

  • 10
    Kobayashi construye su muestra basado en el ideal que rodea el acto de suicidarse abriéndose el vientre de extremo a extremo con un sable: el harakiri, al considerar la brutalidad del ritual, se piensa inevitablemente en las razones que llevarían a un ser humano a someterse voluntariamente a tal ceremonia, históricamente se consideraba necesario en casos donde el individuo quedaba por debajo de ciertos estándares morales a los cuales se le debía entera obediencia, la solemnidad y valor del suicida en el momento de exponer sus propios intestinos le permitía marcharse del mundo de los mortales dejando algo de dignidad asociada a su nombre, pero, ¿serían todos los casos de sacrificio ejemplos fidedignos a este escenario? La visión de uno de los más prestigiosos guionista de Japón, Shinobu Hashimoto (7 Samurais, Rashomon) se vierte en film para proyectar aquellos antiguos y rígidos conceptos sobre integridad desde el punto de vista escéptico de uno de sus protagonistas quien dictará una reinterpretación sobre el concepto de honor asociado al harakiri, según la propuesta, existe cierta flexibilidad para reconocer y profesar valores, presenta las diferencias entre condiciones de vida (clase social) como puntos de vistas discrepantes en cuanto a la interpretación de lo correcto, por ejemplo, las clases pobres son más propensas a transgredir las buenas maneras, con esta declaración no se ataca clase social alguna ni se rehúye de la importancia de los valores, sino que se le da un carácter circunstancial, se enfatiza en la relación entre hombres, dinero, poder y honor, ilustrado en el largometraje con aquellos momentos que demandan del hombre su peor parte y cuando tales ocasiones encuentran parcial responsabilidad en acciones de nuestros semejantes. Deslizándose por esa línea, Harakiri se presenta como rebeldía, como la no sumisión a un código ético que no guarda relación con el mundo de quien se supone se someta a él, hacerlo de forma amena y con elementos típicos del género suspenso dan un toque sísmico a la experiencia, desde el punto de vista constructivo el desarrollo de los acontecimientos se presentan con extrema paciencia, la cámara se desplaza más rápido que los personajes, quienes permanecen prácticamente estáticos la mayor parte del tiempo, asombrosamente dentro de aquella pasividad se consigue un nivel de tensión que busca refugio en una pronta resolución a las interrogantes que presenta y mayor argumentación sobre las tesis que plantea mas todo ello quedará asignado a nuestro juicio. 19-Mayo-2017.

  • 10
    Z es la suma de sus distintivas y formidables particularidades, guion, dirección, musicalización, cinematografía, edición y actuación en orden sustancial de más a menos y no que lo último carezca de mérito, todo lo contrario. Filmada en Algeria gracias al consentimiento y valor del ministro de información de entonces (dada la delicadeza del tema que aborda resultaba casi una declaración de enemistad hacia Grecia acceder a prestar estudios y locaciones para el rodaje) inspirada en hecho reales, filmada en estilo casi-documental y con un ritmo violento: secuencia tras secuencia sucede algo que sacude la silla incluso de los más escépticos, cada personaje de la obra genera sentimientos únicos y fuertemente encontrados, lo mismo ocurre con la opinión política que elaboraremos acerca de los bandos presentados. La historia aborda temas de corrupción, confabulación para asesinar, investigación a altos funcionarios gubernamentales, ideales políticos, organizaciones secretas, o sea que cuentas con todo el combustible para crear una hoguera capaz de fundir el acero, y así lo hace, todo esto en un momento en que sucedían acontecimientos similares en todo el mundo, La guerra fría, la de Vietnam, la imposición y establecimientos de regímenes totalitarios y represivos como el de Cuba, Grecia misma, Unión Soviética etc. lo cual otorgaba un carácter volcánico a la obra al momento de su estreno, ahora, casi 50 años después, estremece y descarga un cúmulo de emociones que difícilmente queden por debajo de las de 1969. 15-mayo-2017

  • 10
    El golpe de vista inicial resulta un poco desconcertante, la muestra se alza sobre los cimientos de la pobreza y al subir el telón es lo primero que llega, acompañado con la presencia de rostros difíciles de mirar, no pasará mucho tiempo para reconocer lo bello que brota de aquello, dentro la predominante miseria y fealdad física, esta no es total, existe una gran dosis de rostros frescos y atractivos, llama la atención el nivel de detalle y el gusto de los creadores para hacer de cada segundo de la muestra una foto admirable, incluso cuando los menos agraciados están incluidos, por momentos los actores posan más de lo que actúan; entre ruinas, con énfasis en los ladrillos, naturaleza, animales y personas se consiguen imágenes dignas de un catálogo de Fotografía, el relato aborda las relaciones intergeneracionales en una época de dificultad extrema lo cual pareciera denuncia o record histórico sobra las condiciones en la India rural durante la presencia/dominio británico, más a ello en específico no se hace referencia explícita. Para narrar las aventuras de la familia, lejos de lo que puede esperarse, no se abusa del melodramatismo que el tema pobreza inmediatamente trae a la mente, más se desliza por las relaciones persona-persona y persona–naturaleza, descubriendo el dulce - amargo que puede esperarse de dichas interacciones, la relevancia y valor que adquieren pequeñas cosas que en circunstancias comunes pasaran carente de significancia, por ejemplo, una pequeña fruta que llena las expectativas del estómago, también lo contrario, circunstancias o acciones que para los personajes no significan nada pero para nosotros, lejos de aquel entorno, sobresalen, como cuando la anciana estrella con desprecio a un pequeño gato contra el suelo, efecto de una humanidad que se ha escurrido del cuerpo producto de las prolongadas condiciones subhumanas en las que se ha vivido . Como pudiera esperarse el tema del dinero está presente, la obvia necesidad de conseguirlo por parte de los personajes contradice nuestra apreciación en cuanto a aquella necesidad, los niveles de importancia y persecución difieren entre la audiencia y la generación media (los padres) en la obra, sin embargo, El Metal adquiere un rol determinante, definiendo posición social, condición humana, asignando responsabilidad y roles dentro de la familia. Dentro de la crudeza de las circunstancias brota admirable y alentador la inocencia de Apu, el de menor edad en el grupo de protagonistas, con él viene incluida una luz que limpia las trazas de pesimismo que puedan nacer en la audiencia y dentro del mensaje de la obra constituye un ejemplo de la fortaleza de espíritu con la que los humanos llegamos al mundo. 26-Mayo-2017.

  • 10
    Haneke manifiesta que la muestra aborda las barreras comunicativas entre seres humanos, pero a partir de allí habrá que profundizar pues la calidad de la obra no queda en justicia con la simple oración. Basado en el multiculturalismo y multilingüismo consecuencia del flujo migratorio hacia Paris, se construyen y presentan las relaciones humanas de sus ciudadanos con extrema aspereza, ello encuentra causa en la falta de aprecio del hombre por su semejante, tal pesimismo no se siente exagerado ni deprimente, sí revelador, preciso, una proposición para que hagamos lo que no hacen sus personajes, ver más allá de nuestra individualidad, valorar si nuestra especie debe aceptar abnegadamente la ley biológica de la supervivencia del más fuerte. A lo perspicaz del mensaje se suman capacidades técnica-creativas dignas de mención, lo más impresionante es la construcción de secuencias con una sola toma, al inicio una de 10 minutos, quizás la más genial, lograda con una precisa coreografía entre actores extras y la danza de la cámara, interesante el trabajo de Juliette Binoche en esta secuencia donde intriga la capacidad para memorizar una considerable cantidad de diálogos y ejecutarlos en combinación exacta con la velocidad de sus movimientos y ubicación en escena, Haneke muestra con este estilo su capacidad para concebir, planificar y ejecutar minuciosamente secuencias bien difíciles de lograr pareciera que su visión del mundo se reduce a la perspectiva y limites impuesto por el marco de la cámara. La calidad de la imagen pareciera un tanto cruda, objeto de poca manipulación, un tanto pálida, por momentos pareciera que se ha filmado con la cámara de un teléfono, sin embargo, tal languidez atrae y se aprecia más de lo que pudiera esperarse. Otro elemento constructivo que llama la atención es la edición, las secuencias son separadas por un negro absoluto y evidente que dura más de lo común, con ello Código Desconocido se percibe fragmentada, cada unidad encierra cierta intención, genera diversos niveles y tipos de emociones que necesariamente no persiguen el mismo fin, lo admirable de ello es como el mensaje de la obra consigue cerrar en consenso, dicho cierre se apoya con una larga musicalización exclusivamente ejecutada al rimbombante compás de una banda de percusionistas que abarca varias de las ultimas secuencias siendo la última desarrollada en el mismo escenario de la secuencia inicial y donde se entrecruzan varios de los protagonistas para saturar la experiencia del espectador quienes sentirán apremio y complacencia atando aquel manojo de información. 7-Junio-2017.

  • 10
    La historia involucra tres personajes relacionados por conexión sanguínea pero extremadamente particulares y diferentes, los deseos de unidad y de huir los unos de los otros a la vez que se incorporan temas que rallan el límite de lo sensato o moralmente aceptado (como lo es el incesto y bisexualidad) otorgan un sabor agrio que complementa el gusto con que se percibe y sorpresivamente de forma exquisita. El manejo del erotismo a la vez que atrevido no se percibe grotesco y se incorpora en una dosis que deja los deseos de más, Bergman sabe hasta dónde mostrar para dejarnos con esa angustia latente que incorporaremos luego como memoria agradable en la semblanza. Esta es una de esas películas que en la medida que pasan los días se recuerda con mayor placer e intriga.
    5ta muestra de Bergman que tengo la posibilidad de ver (El séptimo sello, Persona, Fresas Salvajes, Escenas de un Matrimonio,) y la que justificó los esfuerzos invertido en encontrar el buen nombre del director, las previas experiencias habían dejado carencias, no por falta de talento creativo pero por la calidad del mensaje, por lo gris, a veces deprimente de las temáticas, quizás al ser su obra tan intrincada tome un tiempo llegar disfrutar su forma discursiva y ello por algún motivo despertó en el 5to intento. El Silencio, sin alejarse mucho de aquellas tendencias grises, fue percibida más por la incorporación de sentimientos de incertidumbre, falta de resolución, las contradicciones y dudas en el sentir de Anna y Ester (personajes) además por la calidad, cantidad y posicionamiento de la luz para conseguir hermosas fotos en blanco y negro, a la cinematografía ha de añadírsele las actuaciones y el estilo-ritmo para contar la historia, gran obra construida por estas geniales particularidades, las anteriores 4 experiencias fueron solo oportunidades donde esperaba con ansias encontrar lo que El silencio mostró : Placer. 23-Abril-2017

  • 10
    Quedará presente con el recuerdo de esta obra, el gran sentido del humor de Renoir, dirigido en mayor medida a sembrar entusiasmo en la audiencia más que para hacer reír, casi en la totalidad de las escenas se encontrará a alguien riéndose o manifestándose con regocijo ¡Raro! . . . Muy raro, más al considerar que la historia se ubica en épocas de pleno apogeo de La Gran Guerra, la mayoría de las secuencias involucran las interacciones entre antagonistas (franceses y alemanes) o acontecimientos que toman lugar dentro de un campo para prisioneros de guerra, tal torcedura a las expectativas crea, por momentos, sensación de desconcierto, pero al agarrarle el ritmo se “baila” como cuando se toma, y ojalá suceda tempranamente porque de lo contrario uno se queda con deseos de bailar. Esta misma historia contada por otro “narrador” bien hubiese podido ser un terrible suspenso, o un casi-documental de mayor veracidad histórica, pero de eso ya tenemos en abundancia, el resultado de Renoir es una magistral crítica a la guerra que pone bajo tierra armamentos y condecoraciones para hacer crecer sobre ello, un árbol de humanismo. 26-Abril-2017.

  • 9.5
    La película comienza con un breve acercamiento a los Bustos (pequeñas estatuas) de algunos personajes históricos romanos, seguido por la presentación de un grupo de turistas que merodean los destinos que la capital italiana emplea para tales fines, es de día, brilla un fuerte sol y reina una calma deliciosa, pronto se hace de noche y vemos otro tipo de personajes, la elite bohemia de Roma, reunida en una de sus típicas fiestas, sacudiéndose al ritmo de música electrónica, esta secuencia toma un tiempo considerable y crea una sensación contagiosa de alegría, cuando aquello está en su punto álgido somos introducido a nuestro personaje principal, un close-up enmarca la expresión de regocijo del socialité preferido de la manada, Jep Gambardella bien conocido en los altos círculos de las “lechuzas” adineradas romanas, Jep será golpeado repentinamente con su 65 aniversario y empezará a pensar en la inevitabilidad del FIN, descubrirá que la irrealización personal y el sin-sentido de la vida son cosas reales y que cuando nos “pican” arde y da comezón, entonces comenzará un viaje de redescubrimiento, agarrando memorias lejanas y posibilidades futuras, reflexionando más detenidamente en las relaciones humanas y temiendo infinitamente a la muerte. Recuerdo que al verla pensaba en que esta es una versión italiana de la muestra de Bergman: Wild Strawberries (Fresas Salvajes) el comentario sin la intención de hacer quedar a “La Gran Belleza” como plagio, no podría, más bien es una comparación entre culturas basado en que ambos largometrajes abordan temas similares, aun cuando no conozco ninguno de los dos países quiero pensar que ambas son lo mismo, salvo que una hecha en la horma italiana y la otra en la sueca . Un Regalo extra incluido es el vestuario, uno tiende a notar mas esta parte cuando se trata de muestras que abordan temas históricos, pero en “La grande belleza” los colores y las líneas entran duro por los ojos, imposible no notarlo y disfrutarlo.. 31/mar/2017

  • 9.5
    Hermoso discurso sobre civilización, humildad, sobre la inteligencia y conocimientos básico que nos ha robado el avance tecnológico. Una joven adolescente y su menor hermano son abandonados en medio del desierto australiano, para sobrevivir necesitarán un conjunto de conocimientos que no poseen, su suerte cambia cuando un joven aborigen los encuentra y espontáneamente accede a ser el guía durante el viaje de retorno. Hay varias particularidades que disfrutar en la muestra Roeg: incorpora elementos de la fauna en abundancia, los cuales son percibidos como dueños en igualdad de derecho de aquel hostil territorio (donde ha de incluirse a los humanos, unos como fauna, otros como hostiles), el paisaje de la región se sabe retrata muy bien y es eficientemente explotado por el responsable de las cámaras, méritos además a la forma en que fue concebida y presentada la estrecha relación de amistad que se establece entre tan diferentes culturas, usando un poco el entorno, las condiciones (o la falta de ellas) y otro tanto la calidad de los individuos. Walkabout se percibe como una oda a nuestros orígenes, como alabanza a un conjunto de tradiciones que han moldeado al hombre moderno y por encima de todo, evocación a la calidad humana, lo cual se soporta en la inocencia de dos adolescentes y un niño para los cuales la única alternativa de supervivencia es la confianza en el prójimo. 21-Abril-2017

  • 9.5

    Trono de sangre
    Algún día el cine volverá a ser lo que fue, esta muestra de Kurosawa habla sobre la necesidad de rescate, el Arte funciona y se añora. Genial la producción en la creación del set, la veracidad histórica de las construcciones se integra exquisitamente con el entorno, donde sobresale el escalofriante uso de la neblina. Si se habla de la trama de Trono de Sangre uno esperaría presenciar épicas batallas con cientos de extras, armamento y vestuario típico del Japón Feudal pero la espectacularidad sede espacio al mensaje sobre ambición, sobre el hombre, sus dudas, la elección entre bien y mal, dignidad o poder, acorde a ello cierra con una educativa moraleja que no aleja a la muestra del entretenimiento, Kurosawa bien pudo ser un excelente profesor pues sus lecciones no son solo divertidas sino que los estudiantes (espectadores) buscan con ansias la oportunidad de estar presentes, posiblemente la mejor actuación de Mifune, donde su “sobre-actuado estilo” se siente en concordancia con la narrativa de la muestra. Inspirada en la obra Macbeth de Shakespeare sigue el ascenso al poder de un hombre quien no logra establecerse en él efectivamente debido a la carga que lleva en su conciencia, consecuentemente perderá tal como ganó el ansiado estatus. 13-Mayo-2017

  • 9.5
    Luego de presenciar el poder del silencio en esta muestra de McQueen, los subsiguientes largometrajes parecían agobiantes por la cantidad de diálogos, será este el primer indicio de que se está en presencia de algo que no abunda en el cine moderno, el mensaje es compuesto principalmente con expresiones genialmente concebidas por el elenco y por la incorporación de elementos que apoyan las intenciones de lo que se busca comunicar, si se enumeran dichos elementos equivocadamente se pensaría que el asco es el sentir que los realizadores desean halar de la audiencia y aunque ciertamente la palomitas de maíz se dejarán a un lado, existe algo mucho más poderoso que el simple disgusto en las tripas, la obra aborda la historia de varios presos políticos quienes desconocen los límites de su determinación, solo tres animales podrán verse a lo largo de la muestra: ratas, moscas y larvas, serán los prisioneros el complemento a este temático y minúsculo zoológico. Hunger es un grito de auxilio, un reclamo y denuncia a los hombres y sus derechos, un relato sobre el horizonte imperceptible de la voluntad y resistencia humana basada en ideales políticos. 29-abril-2017

  • 9.5
    Siglo 17, Dinamarca, tiempos de la inquisición y de la quema al por mayor de seres humanos acusados de hechiceros y brujas, realizada en 1943 durante la ocupación nazi alemana, si existe algún vínculo es muy vago, creo el solo hecho de abordar el tema en ese preciso momento demuestra suficiente valor, pareciera leerse en subtítulos invisibles “cualquier semejanza con la realidad no es mera coincidencia” no hace falta más, “apretar las tuercas” sería presumiblemente demasiado riesgoso, la muestra en sí, se disfruta por la historia que cuenta ,se aprecia y disfruta el talento técnico de Dreyer, el punto bajo sería la edición, a veces los cortes demasiado evidentes, pero vagamente impacta el resultado final, a lo dinámico de la historia se puede añadir el uso de la luz, con intencionalidad algunos personajes son retratados más a la sombra mientras otros son expuestos al brillo de la luz en dependencia del llamado de la ocasión, ello junto con el lento pero preciso desplazamiento de la cámara, que sigue con paciencia el rumbo de los personajes para alargar la tomas y hacerlas más veraces, denota los dotes técnicos del creador, una escena en particular habla de la participación activa de la cámara en el relato: uno de los protagonistas es pastor en una especie de jurado que dicta sentencia a los presuntos herejes, ha de visitar en el lecho de muerte a un pastor (colega) que fue maldecido por una víctima antes de ser lanzada a la hoguera, al llegar a la habitación la cámara no salta inmediatamente al moribundo, comienza con un “paneo” y lento desplazamiento lateral de la inmensa semi-oscura habitación, supuestamente debería ser el punto de vista (lo que vee) del recién llegado pero también es el resultado de la intencionalidad de Dreyer para muy auténticamente crear el escozor del suspenso en la audiencia, sabemos que el destino final de la cámara es el cuadro en el que estará el pronto a morir pero aquello toma más tiempo de lo que cualquier espectador puede tolerar sin irritarse, sabemos a quién encontraremos en la cama y conocemos que la maldición tuvo trágico acierto, sabemos que la que maldijo se marchó del mundo en disgusto con el recién llegado (protagonista) ahora sus miedos son nuestros miedos, no por el hecho de que un semejante va a morir, sino por la calma con que los miedos del protagonista evolucionan en esos pocos segundos donde la cámara asume el sentir humano: viaja lentamente (como atemorizada) hasta el objeto del miedo. ¿Cómo se las arreglaban entonces para mover las monstruosas cámaras y evitar la presencia en escena de indeseadas sombras o sonidos de los equipos?
    La sinopsis aborda el dilema de decidir entre lo emocional y racionalmente correcto, lo primero nace en el interior del ser humano, lo racional se corresponde con la rigidez de los códigos morales predominantes en el pequeño poblado donde se enclava la historia, un matrimonio desproporcionado en edad y correspondencia de sentimientos, sostenido únicamente por una vaga empatía y por las cadenas sociales, pronto encuentra amenaza cuando el hijo del esposo retorna a casa, de inmediato la joven esposa encuentra salida y destino a sentimientos auténticos en el recién llegado hijastro. 29-Junio-2017.

  • 9.5
    Una película sobre el amor, el acto de hacer el amor, preferencia y exploración sexual, el impacto de todo ello en la persona y sus relaciones sociales. El carácter explícito de los múltiple encuentro sexuales le da un toque de intimidad y apertura a los personajes más que algo sobre lo cual ruborizarse o censurar, la obra favorece la idea de la tolerancia hacia la homosexualidad, la naturalidad de dicha preferencia, así como la integración en el mundo actual, punto y aparte: mención especial al valor y el talento de las dos protagonistas para asumir roles, que se perciben difíciles en extremo, presentarse totalmente expuestas ante nosotros que por momentos nos preguntaremos si es correcto seguir mirándoles y curioseando sobre aquel par de vidas. 28-Mayo-2017.

  • 9.5
    En los inicios se presenta una escena que se desarrolla con música y baile lo cual me hizo recordar otras muestras que también usan la técnica para eficientemente raptar el interés del vidente y crear un humor que semeja regocijo, pareciera evidente pues de música+baile no da muchas opciones que no sean afín a regocijo, quizás lo curioso es que en escena se incluyen los protagonistas de la historia quienes desde inicio se perciben carente de modales y sospechamos sobre su integridad, sin embargo la parte de regocijo no cambia mucho con ello y luego cuando la historia suelta cordel y comprobamos las sospechas sobre su quebrantada moral, por algún motivo, lejos de despreciar, empatizamos y conectamos con la valentía con que procede Marie (Simone Signoret) quien sorprende con su actuación y lo bien que luce físicamente frente a las cámaras, el empleo de las luces, en ella, es otro de los elementos que salta a la vista, se usa bien fuerte, desde arriba y perpendicular, cae en la parte trasera de la cabeza de Marie con la cual parece brillar desde adentro, uno de los elementos que ayuda a evitar la crítica despiadada hacia su persona, lo cual sería el primer impulso y no solo con ella sino con el resto del elenco que conforman, gánsteres, proxenetas y prostitutas terminaremos estableciendo una conexión inexplicablemente afectiva. La historia es bien lineal y la interpretación no demanda mucho esfuerzo, es entretenida lo cual se disfruta pero distrae y sustrae al espectador de apreciar otras cualidades, en particular la fotografía y uso de las luces, presenta el intento para escapar de un estilo de vida, lo cual parece lógico, razonable y accesible al considerar su base: Amor, más la fuerza invisible pero aplastante que ejercen las condiciones sociales, impulsarán en dirección contraria a la determinación humana, otorgando una temprana incertidumbre sobre el desenlace de los acontecimiento en nosotros los espectadores. 25-Mayo-2017.

  • 9.5
    12 hombres, conforman el jurado en un juicio, tratan de concordar en su opinión de culpabilidad o no del acusado, deliberarán en un cálido día de verano encerrados en una pequeña, sofocante habitación de la corte, durante 90 minutos veremos un arcoíris de personalidades, algunas con arrastres de eventos pasados, otras se mostrarán vacuas o carentes de antecedentes, aquel coctel en combinación con el bien concebido guion entregan un interesante y absorbente punto de vista sobre el proceso de deliberación. El procedimiento para llegar a un consenso sobre justicia a través del diálogo recuerda el libro de Platón, La Republica, aunque sería herrado decir que es la filosofía griega es el eje central de la muestra, más pareciera un viaje e invitación a encontrar nuestra propia humanidad, de la misma manera que los 12 personajes son convocados a hacerlo, la incorporación de evidencias y análisis de los hechos sobre los cuales se juzgan al acusado le dan un toque de policiaco, típica historia de juzgado y suspenso que agregan entretenimiento a la experiencia, sin embargo las razones principales por la cual ver esta muestra, encuentran justificación en las particularidades de cada uno de los 12 individuos y la lucha que han de librar en contra de sus propios prejuicios. 31-Mayo-2017

  • 9.5
    Desde los inicios se percibe que el producto es el resultado de grandes inversiones de dinero, tiempo y empeño, ello se recoge instantáneamente de la calidad y cantidad de extras, el trabajo de escenografía y vestuario, mas todo ello se siente suntuoso y sobre-invertido si se presta atención al “para qué” o sea a la historia, en los inicios pareciera intrascendental, falta de sustancia y uno queda preguntándose: ¿Tanta pompa para hablar de esto? Por suerte el sentimiento evoluciona en la medida que la historia avanza, pero durante la primera hora parece un cuento de hadas con énfasis en lo fantástico y lo ornamental, los personajes se muestran planos, pobres espiritualmente, no solo desde el punto de vista de la trama sino también desde el punto de vista creativo, como si se hubiesen despreocupado de ellos durante el guion y rodaje; desde esa pálida condición mutan a peor, lo cual mostrará la parte interesante de la muestra: la devolución o reencuentro con la parte humana, pero lo que se logra recuperar se aleja de admiración, pasa por la lastima y ridiculez, barriendo cuanta basura encuentra, Bertolucci bien pudo titular su obra “La vida de un títere” pero quizás hubiese sido demasiado evidente, en síntesis “El último Emperador” es el viaje de un ser humano desde su imagen proyectada hacia lo más recóndito de su interior, desde la exuberancia externa hacia la miseria interna, el dolor de encontrar la falta de propósito, resultado y legado en la vida , al verlo así el hecho de que sea basado en hechos reales adquiere connotación, al igual que todos los premios otorgado por la academia. 30-mayo-2017

  • 9.5
    El carnaval de Brasil se usa como avenida para versionar el mito de Orfeo y Eurídice, de forma que la moraleja de la historia se adorna con música, baile y vestuario acorde a la ocasión. La Samba conforma el 95% de la musicalización y con el apoyo de los destellantes colores las emociones se sacuden al compás del ritmo, admirable la capacidad del director para organizar y coreografiar grandes grupos de extras quienes se proyectan con el espíritu típico del carnaval y con aquel despliegue el espectador queda atrapado en el tráfico humano de Río con una inexplicable mezcla de curiosidad y regocijo. Hacia los momentos finales se percibe la intención de Camus de destacar la cultura y ánimo dentro de las favelas, donde según él, la alegría y despreocupación rebasa las calamidades, el modo de vida es la única herencia pasada a la generación relevo, pero aun siendo lo único se muestra abundante y enriquecedor. La Historia habla sobre la fuerza de un romance que lleva a los involucrados a recorrer un camino de dudoso destino y a librar una lucha más grande que sus propias fuerzas. 28-Mayo-2017.

  • 9.5
    Dentro de una sociedad que impulsa a los ciudadanos a ser creativos para sobrevivir, creatividad peligrosa, esa que nace de la falta de oportunidades, donde el trabajo es la opción de los pobres, un solo personaje cargará con el mensaje positivo de la obra, ella, rodeada de “Cerdos y Barcos de guerra” enciende la única luz que veremos. Largometraje con un contundente mensaje sobre dignidad, presentada con el lamentable realismo de un tiempo y lugar específico donde aquello estaba extinto, un pueblo costero del Japón, poco después de su capitulación en la 2da guerra mundial. Para construir tal denuncia social, una de las variantes usadas, es el acercamiento a la convivencia (mescolanza) entre pocos con cierto poder adquisitivo (soldados de la ocupación americana) y otros muchos desprovisto (el pueblo japonés), el mercado y economía de lo esencial se reduce a la compra de carne para placer sexual por parte de los pudientes y en incurrir en actividades criminales como una de las pocas oportunidades que ofrece el medio a la población nipona, en este entorno se presenta la historia de amor entre los protagonistas: heroína y antihéroe, cada uno con diferentes personalidades, perspectivas y motivos, la lucha por encontrarse en el medio es simplemente la metáfora entre las diferentes fuerzas positivas, negativas e invisibles que frenan el desarrollo de la sociedad representada en la película. Impresionante y amplia cinematografía (cinemascope) es de las primeras calidades que llegan, hecho que Imamura usa y explota, apoyado con precisos desplazamientos de la cámara, en algunas escenas puede apreciarse el exceso de brillo y el rehuir de los extremos close-ups para evitar distorsión en la imagen, ambas características negativas que provocaron la merma en popularidad del formato cinemascope, sin embargo, y lejos de estos simples detalles técnicos la cinematografía de la muestra trasluce y queda como una de las mejores particularidades de la obra. El oscuro, decadente mundo representado en la obra no debe justificarse como efecto del Holocausto (2da GM) lamentablemente sociedades como esta existieron y existen en cualquier esquina del mundo, ha de encontrarse causa en la voluntad de los hombres, a fin de cuentas, los dueños de sus decisiones. 25-junio-2017.

  • 9.5
    Yugoslavia, 1964. En un pueblo minero, los obreros de la cantera se muestran más vulgares que humanos, más instintivos que reflexivos, ello no ha de verse como el retrato de la sociedad yugoslava de mediados de los 60, de que otra forma pudiera comprenderse la confianza que Makavejev deposita en los espectadores nacionales de entonces para que interpreten su camuflado mensaje. Al comienzo un grupo de trabajadores se encuentran en un bar local donde una especie de figurín folclórico entona melodías que producen rítmicas y espontáneas sacudidas en la audiencia, los ánimos en ascenso terminan en reyerta y con oficiales del orden incluidos, tal evento adquiere relevancia no por lo entretenido de la pelea, sino en alguna medida por la peculiaridad con que la cámara se inmiscuye y filma aquel brollo, más trascendental aun es como tal secuencia conecta con otra que ocurre tiempo después en la obra: El concierto recompensa. Cuando uno de los trabajadores, no obrero sino ingeniero, logra terminar un importante proyecto en tiempo record, el prometido premio de un bono es sustituido por una medalla y un concierto para el disfrute “común” de todos los trabajadores de la Cantera, la orden viene de una especie de jefe del cual solo veremos como el director de la cantera recibe instrucciones a través del teléfono pero ni su figura ni voz tendrán presencia en la obra con ello se hace referencia a la invisibilidad de los lideres en la sociedad yugoslava comunista, tema acentuado y que será recurrente con otras similares metaforas, el tema del concierto es Beethoven, lo primero que sucede cuando llegan los artistas a la instalación es que no encuentran el improvisado escenario, muestra de la pobre organización del evento, quedan vagando sin rumbo dentro de las instalaciones, pasan cerca de las calderas donde por poco terminan quemados (otra referencia a la ausencia y negligencia por parte de los líderes), al momento que empieza la función la falta de interés y capacidad para disfrutar o comprender, se ejemplifica con el intento de escabullirse del obrero insigne, interceptado por un funcionario de rango superior quien lo toma del brazo, lo lleva de vuelta a su lugar y le orientar quedarse tranquilo hasta el final, ello más la perplejidad del resto quienes quedan congelados en sus asientos tratando de descifrar los clásicos acordes cierran el ciclo contrastante con la movida escena del bar, el hecho de imponer y exponer a las personas a situaciones no afines a sus intereses denuncia el forzado cause que debía seguir la sociedad de entonces.
    Para que los obreros puedan tener voz, reclamar y criticar, Makavejev convierte la Cantera en protagonista, representa una forma de gobierno que impone rumbo y ritmo, los obreros podrán realizar actos circenses en horas de trabajo lo cual se percibe como mofa hacia el gobierno. El resultado glorioso de la producción en oro, plata y cobre se presenta solo en palabras, no existe una sola imagen sobre la producción final. Uno de los personajes ofreciendo un tur a varios jóvenes (generación relevo) por las instalaciones, manifiesta: – con nuestra producción de los pasados años alcanzaría para enchapar la dentadura de cada ciudadano del país en oro. Después veremos cómo par de mujeres que debieran beneficiarse de tal producción, pelean en público, reclamando propiedad sobre un vestido.
    Es difícil ver más allá de la protesta política en “El Hombre no es un pájaro”, cómo Makavejev logró pasar la censura, es una pregunta a la que quizás nunca se logre tener respuesta. En todo caso, tal manifestación pareciera obsoleta dada la casi extinción de dicho sistema social, ha de verse entonces como un record histórico de la voluntad humana para ejercer sus derechos de libre expresión y sobre las infinitas variantes que ofrece el arte para evadir mecanismos de contención y opresión. Al volverse a la parte artística “Covek nije tica”(título original) contiene vívidos ejemplos de que es la composición en fotografía y por extensión cinematografía, lo que ha sido incluido en el cuadro así como el ángulo y posición de la cámara se percibe como el resultado de la necesidad de expresión, un lenguaje en sí mismo al que se subordina la historia, o sea, el grueso del mensaje reposa más en las imágenes que en la historia de amor que cuenta, hablando de ello, Makavejev incluye en el relato varias torceduras inesperadas para agregar cierta dosis de entretenimiento, cuya finalidad persigue disimular la denuncia socio-política, más breves momentos de distracción no conforman en ninguna proporción parte del legado. Mención especial a aquellas secuencias en que aparecen exageradamente amplificados retratos de manos, toscas, vacías, las cuales parecen rogar, supuestamente se utilizarán para adornar la fábrica, más su presencia dentro de la muestra pareciera no estar justificada, constituye una segunda obra dentro del largometraje una declaración similar pero independiente. 15-Junio-2017

  • 9.5
    El título hace honor al espíritu de la muestra, Close up es un acercamiento al interior de un ser humano lidiando con sentimientos de arrepentimiento y sufriendo por la pérdida de su honradez, el documental cuenta el viaje hacia la redención de un hombre que estafó a una familia para sacar ventaja emocional (no económica) y para sentirse propulsado de su inferior clase social, luego de descubrirse la treta se presenta el juicio en el que ha de dar explicaciones, todo el proceso resulta en captar veraz, muy veraz y como pocas veces se ha logrado los sentimientos de un ser humano, no hay actor o actriz capaz de reproducir la autenticidad de las emociones que Kioristami revela con su cámara, resulta duro incluso para el espectador lidiar con la vergüenza que deriva de las acciones del personaje principal a quien por momentos creeremos que tratan de ridiculizar pero la verdad opaca toda segundas intenciones, desde el punto de vista creativo lleva casi todo el mérito construir un mensaje tan potente a partir de una historia trivial, sencilla e infantil. 6-mayo-2017.

  • 9.5

    Mediante la calamidad que ha de experimentar una familia, Bergman aborda temas sobre los límites humanos sobre asimilación y reacción. Cuando la hija de un granjero en una intrincada zona rural de Suecia en algún momento del siglo XXIII, es violada y asesinada, la familia tendrá muy poco tiempo para ripostar ¿Cómo entender la violación y asesinato de una hija? ¿Qué puede hacerse al respecto? ambas preguntas se presentan tempranamente y son solo el punto de partida, no con énfasis en la segunda interrogante, donde bien se pudo enfatizar en una historia de venganza y luto; más bien el peso cae en abordar como el desconcierto afecta la capacidad de análisis en los seres humanos, la religión (FE) con presencia dominante asume el rol de último recurso para que la familia exija explicaciones y busque respuesta a lo, para ellos, inexplicable.
    En una de las secuencias finales, quizás la clave para entender el mensaje del largometraje, se ubica al padre de la víctima en campo abierto, mirando a un cielo al cual la cámara no se molesta en capturar, cerca del cadáver de su hija quien también queda excluida del cuadro, le cuestiona a Dios en voz alta, Bergman elige filmarlo desde atrás, la cámara apunta hacia la tierra y no se escucha música de apoyo; en similares circunstancias el espectador está acostumbrado a todo lo opuesto: musicalización, lágrimas e imágenes del cielo apoyarían el mensaje, al romper aquellos “cánones” se demanda de la audiencia un ejercicio de reflexión. Al negar la inclusión de imágenes del cielo podemos asumir la ausencia de Dios, lo cual es contradicho con la última escena en la que el divino ofrece señales de presencia, tal ambivalencia aborda la improbabilidad de las garantías que asumimos serán ofrecidas por terceros, a la vez que presenta la idea de que la necesidad de auxilio o ayuda es una característica propia de todo humano, incluso de los que se muestran más resueltos, tal característica deteriora nuestros conceptos de autosuficiencia la que de momento se verá bloqueada por una cortina gris.
    Buscar refugio parece la respuesta rápida, reflejo incondicionado al complejo tema del ser humano enfrentando sus limitaciones, en el contexto de la muestra es Dios quien constituye ese refugio, pero al colocar una lupa encima bien puede ser un Padre, una Madre o cualquiera en ese rol. El creer que hay alguien que asume cuando nuestras capacidades terminan es una idea romántica a la cual Bergman mira con escepticismo. Julio 20, 2017.

  • 9.5
    El relato nos acerca a cuatro geólogos que exploran la aislada región de la taiga siberiana, cazando y acampando con el objetivo de moverse efectivamente por el bosque soviético en busca de diamantes que serán usados en la industria, sobre todo en los esfuerzos del conglomerado comunista en la carrera espacial, la primera parte de la historia aborda la incertidumbre y temor al fracaso dentro de la expedición al tiempo que somos introducido al triángulo amoroso que deja fuera a un solo miembro quien es el autor de las “Cartas no enviadas” que tienen como objetivo a su esposa, en ellas cuenta sobre los acontecimientos diarios y sobre sus sentimientos; tempranamente la historia da un giro drástico y positivo, Tanya, única mujer en la expedición, tropieza en uno de los sitios de excavación con la presencia del ansiado mineral, a partir de ese momento el ritmo pasa de lenta introducción a estrepitoso desarrollo, plenos de satisfacción y con evidencia en mano lista para pasarla a la autoridades encargadas de la futura explotación, despiertan en medio de un incendio que cubre unos mil km cuadrados de bosque, lo que sigue es una de las aventuras mejores filmadas sobre la lucha del hombre contra el poder de la naturaleza, desarrollada totalmente en exteriores, parece no haber alternativa ni otra lógica que abusar de la presencia de los elementos, lo cual sucede eficiente y extensivamente, lejos de ofuscar a la audiencia con la abundante presencia de lluvia, agua, nieve, viento y sobre todo fuego, Kalatazov infunde el poder, temor y admiración que derivan de la contemplación humana de lo natural, todo ello a la vez que ilustra la determinación del hombre soviético, un tin subido en propaganda y melodramatismo lo cual viene a ser el punto bajo de la obra sin mellar significativamente el resultado final pero impregnando una quisquillosa mancha. Volviendo al tema del fuego, resulta admirable el resultado conseguido por Kalatazov y Urusevsky, en ocasiones da la impresión que no solo los personajes corren peligro de arder sino también los camarógrafos, la dupla (director-cinematógrafo) hacen un equipo digno de un todos estrella, el trabajo de cámara parece técnica diseñada por coreógrafos de escuelas de danzas en complicidad con deportistas de alto rendimiento , uno pudiera repetir este largometraje y “Las cigüeñas se van volando” (de ambos también) tan solo para curiosear y enfocarse en el desplazamiento de la cámara, en ocasiones imita el desplazamiento de una serpiente, cruza a centímetros de los actores y los persigue por las más intrincadas locaciones, imagino en tal sentido estas dos muestras han de ser recursos que agotan en las escuelas de cine modernas. La escenografía se muestra a un nivel más avanzado que el profesional, se admira y disfruta la creación del set en la que se percibe se han volcado, recursos, talento y dedicación sin escatimar. “Cartas no enviadas” quedará, dentro del cine, como uno de los exponentes del sacrificio humano en pos de un bien común mayor. 25-Abril-2017.

  • 9
    Es recurrente en Antonioni el hábito de incorporar en la trama un acontecimiento desconcertante (la desaparición repentina de uno de sus protagonistas, ser testigo de un asesinato, etc.) para luego decirnos que aquello no es para nada trascendental, la historia irá dejando aquello de lado para que apreciemos el mundo interior de los personajes, para tal efecto se usa la influencia del entorno en el individuo, de forma que no solo las personas sino los edificios, carros, paisajes, en fin, todo lo que se muestra en cada cuadro tiene participación activa en la historia, es recurrente el uso de los elementos (viento, lluvia, sol, etc.) como catalizadores de emociones, el uso de los colores es otro factor que agota el director, más con la intensión de interactuar con la audiencia que para afectar a sus personajes (esta y Desierto Rojo son vívidos ejemplo de ello) En Blow-up la “radiografía” es la de un fotógrafo al mando de su arte y quien se mueve al compás de su apetito creativo, incluso cuando lo más terrible sucede solo adquiere la relevancia que el deseo de fotografiarlo produce, por momentos se siente la incertidumbre característica del género suspenso, pero las torceduras de la historia irán revelando el banco de emociones del hombre y se alejará de las abusadas fórmulas del misterio, para aclarar un poco, el fotógrafo de la historia mientras deambula por un parque disparando su cámara capta un asesinato, víctima, asesino y cómplice incluidos, los fotografiados conocen que han sido evidenciados; de ahí en adelante y contrario a lo que se espera nadie persigue, escapa o esconde. Gran parte del éxito de la muestra deriva de lo impredecible que resulta la evolución de los acontecimientos, en mantenerse sencilla aun cuando se espera un salto a la espectacularidad, fiel a su visión Antonioni rechaza convertirse en un narrador de cuentos y nos construye una puerta para que entremos a un momento y lugar específico, solo así caminaremos rumbo hacia el objetivo de su propuesta: conocer a las personas que encontramos a nuestro paso, apreciar sus sentimientos y emociones, aquello que define su personalidad.
    Mención especial a la música, Herbie Hancock incorpora un repertorio de Jazz que por momentos desborda los confines de la obra, sin la intensión de decir que no guarda afinidad, solo que puede disfrutarse tanto con la historia como por si sola. 10-Mayo-2017

  • 9
    Después de varias experiencias con Kurosawa; Ozu y Misoguchi pensaba en el cine Japonés como algo cristalino, altamente preocupado y eficientemente enfocado en temas educativos (y no poco entretenidos) luego llega Imamura con esta obra que es tan genial como cualquiera de la propuestas de los autores anteriormente mencionados pero rasgando todos los manifiestos moralistas concebidos en muestras como Ugetzu, Ikiru y Primavera Tardía (por mencionar algunos) uno queda lleno de dudas sobre la cultura de este pueblo pero de cierta forma también agradecido por mostrar “la otra cara de la moneda”; Vengance is Mine es una historia compleja; en lo superficial pareciera el relato sobre asesinatos y sobre el perpetrador de dichos crímenes, pero al reflexionar sobre la ausencia de valores humanos, presente en casi todos los personajes, se reflexiona paralelamente en la imperfección de nuestra especie, en lo intrincado y difícil que es descifrar que nos causa plenitud o satisfacción, que son y que deben ser las normas sociales, sean leyes o sean el conjuntos de conductas que clasificamos como aceptadas o repudiadas. Si el género NOIR tiene un exponente ha de ser esta muestra de Imamura que consigue sumergirnos en lo amoral y que lo veamos como el diente quebrado, uno en treinta y dos, uno que desfigura toda una sonrisa, algo que existirá aun cuando se hagan los mayores esfuerzos por corregirlo. Por el tiempo que dura uno pensará en cosas que normalmente considera desagradable y por algún motivo lo que se supone sea un mal sabor no lo es tanto. 1-Abril-2017

  • 9
    Irrita un poco la falta de iluminación sobre los personajes, con ello se pierde casi la totalidad de las expresiones, ha de pensarse en el porqué de tal decisión ya que obviamente esta fue una decisión tomada con total premeditación y propósito específico, pareciera que Yang desea comunicar y llegar a la audiencia a través de las acciones de los personajes, diálogos, desplazamiento y objetos incluidos en escena, resulta un poco frustrante la incapacidad para distinguir detalles en los rostros pero con ello no se desprende el interés en el tema principal: el ciclo de la vida (algo en esta elección hace recordar el estilo de Bresson que fregaba cualquier intento de mostrar emociones en el rostros de sus actores). En cantidades precisas, desprendidas de espectacularidades se abordan temas como el nacimiento, la infancia, adolescencia, la adultez, vejez y muerte, dentro de ellos, temas afines donde sobresalen la curiosidad característica en la infancia, el deber en contraposición con el sentir: el encuentro con un viejo, inconcluso amor cuando ya se tiene familia y profesión en desarrollo, dificultades financieras, discusiones, altercados, asesinatos, irrealización personal, arte, todo este gran compendio no se presenta en un orden cronológico ni soportado por ningún otro tipo de lógica, la concatenación de eventos se percibe de forma azarosa, espontanea e impredecible tal y como es la vida en sí, aburrida por momentos, excitante a veces, indescifrable, pero en constante movimiento y subordinada al tiempo finito con el cual contamos desde el principio hasta el fin, el cual parece insuficiente para marcharnos con plena satisfacción y todos los deberes cumplidos. 29-Mayo-2017.

  • 9
    Por momentos se siente que va a caer en las trilladas fórmulas del género romance, pero encierra algo poderoso que nos mantiene rechazando aquella idea: la ponderación hacia lo instintivo, irracional e insensato de las acciones de los dos protagonistas, todo ello a la vez que se percibe grato en extremo, vale destacar además la calidad de la copia con que cuenta Criterion actualmente, un Blanco & Negro de lujo. Si aún hoy impresiona imagino a mediados de los 40 fue algo así como un escándalo y quizás hasta hubo de blasfemar por temor a “pecar” y decir que la disfrutó, la trama se concentra en el romance que viven Alec y Laura ambos respectivamente casados (no entre ellos) y con hijos, la química contagiosa e inexplicable que surge entre ambos es la justificación que se presenta para que las citas entre ambos sigan teniendo lugar semana tras semana, la vieja lucha entre la razón y el sentir se presenta tempranamente en la muestra de forma que cada espectador no solo comenzará a debatir desde los inicios sobre la decencia de aquellos encuentros sino también a figurarse el desenlace de aquella relación. Una muestra necesaria para los que disfrutan el tema romance. 8-abril-2017

  • 9
    La secuencia con la que abre es de lo más genial que se haya podido filmar jamás, tan fuerte que el deseo de conocer que hacen aquellos “hombres” supera el para qué o por qué lo hacen que es en definitiva el punto de Reggio y lo que realmente debe interesar, dentro de esa secuencia el momento en que uno de los hombres (sin conocimiento) es transportado en los hombros de varios de sus semejantes constituye el punto álgido del documental y de cierta forma refleja las consecuencias de forma más precisa y contundente de todo lo que se muestra, imagino que el equipo creativo debió debatir extensamente durante el proceso de edición sobre el orden de las tomas en el documental, esta secuencia debió ser de las más debatidas, desde mi perspectiva hubiese golpeado con mayor eficiencia de haberse ubicado hacia el cierre y no como introducción. El enfoque de Powaqqatsi es hacia el costo humano en sociedades subdesarrolladas que constituyen el combustible de otras más avanzadas, las brutales condiciones en la que muchísimos humanos han de procurar sustento, el lente se enfoca primordialmente hacia nuestra especie, imágenes de hombres en sus quehaceres cotidianos, fragmentos de vida, que ni tanto lo parecen, develando la suerte de los menos privilegiados que diligentemente llevan su carga sin reparar o conocer sobre segundas opciones. 9-Abril-2017

  • 9
    Rome Open City, es el producto del compromiso, de las demandas que las circunstancias imponen en el artista. Exponente del neorrealismo italiano y como fue característico del movimiento, ofrece la sensación de presenciar un (casi)documental social; personajes ficticios en tiempos de la ocupación alemana en Roma ofrecen cuentas del sentimiento nacional de liberación, enmarcado en la empobrecida ciudad capital donde la hambruna acompaña al valor y la solidaridad, amalgama humana que ignora fronteras políticas, religiosas, edades, grupos sociales etc. Rosellini muestra el periodo de ocupación como la unión de un sentimiento y causa común que rebasa las carencias personales y calamidades económicas, para él sus personajes son secundarios, solo una herramienta para construir su mensaje, la suerte que corran ellos no es más significativo que la necesidad de documentar los hechos. Roma, ciudad abierta (término usado para describir aquellas ciudades que podían ser bombardeadas) es un ejemplo de lo injustificado que constituye cualquier forma de agresión y para ello muestra las consecuencias de una acarreada de forma “efectiva” 14-abril-201

  • 9
    Una de las cualidades admirables del cine japonés, presente en esta muestra de Mizoguchi, es el hecho de abordar un mensaje que gira entorno a la justicia, a lo que debe considerarse como correcto, en lo superficial la historia parece simple en extremo, las acciones y vidas de los personajes adquieren relevancia, ganan nuestra atención en la medida que se elevan desde la individualidad a temas sociales concerniente a un grupo significativamente mayor, En Oharu la protagonista pareciera predestinada a la miseria humana, más en referencia a lo sentimental que a lo económico, la imposibilidad de progreso basada en la falta de oportunidades y rígidas normas impuestas por las clases de poder, evidencian la intencionalidad de manifestarse en contra de un sistema que no funciona o no tiene en cuenta a toda la sociedad, Oharu se filma en un momento en que Japón se encontraba ocupado por la fuerza militar norteamericana, devastado moral y económicamente tras los trágicos eventos que catalizaron la capitulación en agosto de 1945, la muestra enmarcada en un pasado distante es un símil de la condición social a comienzo de los 50s. Curioso conocer que la película, tal y como quedó, estuvo basada en un segundo guion debido a que el primero no logró pasar la censura, otra evidencia de la poca flexibilidad de las fronteras impuestas por los organismos de control. Oharu es una prostituta que desciende del estatus de Geisha a merodear las calles persiguiendo y rogando la atención de potenciales clientes, su voluntad y personalidad no le alcanzan para cambiar su condición en constante deterioro, tal despeñamiento encuentra causa en un error por ella cometido, inauditamente para nosotros espectadores las autoridades se mostraran intransigentes ante “la grave falta” negando cualquier posibilidad de rectificar, con ello morirán las esperanzas y posibilidades de Oharu, la vida se encargará de recordarle que está pagando las consecuencias de su error. 2-Junio-2017

  • 9
    Para ofrecer una valoración con la que esté más conforme, sería necesario repetirla, lo que sigue es lo que puede agarrar de la primera experiencia, durante la que surgieron algunas distracciones y quizás por ello quede un sabor incierto sobre los objetivos del autor y del sentir general que dejó, lo primero que llega y con facilidad son las magníficas imágenes en blanco y negro, salta el fuerte contraste usado en ellas, estable y persistente, la uniformidad ayuda a sumergirse en un film realizado casi en su totalidad con imágenes fijas, la historia que cuentan dichas fotos, con narración añadida, puede calificarse como ciencia-ficción; a un grupo de prisioneros se le aplican inyecciones para explorar dentro de sus mentes un tiempo que no corresponde al presente, proceso que semeja más tortura que experimento y que persigue rescatar una sociedad confinada a la obscuridad, además todo lo positivo de un tiempo pasado mejor. Uno de ellos tendrá la suerte de, al ser inducido, alejarse de su condición social en aquel submundo, la historia de sus “viajes” contrasta igual de fuerte que los tonos de grises en las imágenes, un lugar donde no existen estratos sociales y donde la claridad del día ilumina lo que es esencial y añorado por aquel humano. Al recordarla predomina esa parte de la historia, los escapes, con ello puedo decir que La Jetée ayuda a cada espectador a descubrir su facción, su naturaleza, basado en la elección que se haga o la preferencia que se tenga por uno de los dos bandos en que pueden calificarse las imágenes: luz y sombra, pero el dilema no es tan simple como elegir entre el mundo de sombras o el mundo de luz sino entre sombra o luz en cada uno de ellos y digerir el hecho de que ambos coexisten independientemente de nuestra voluntad, cada uno con una misión, mensaje y belleza donde, a veces, coinciden. 19-abril-2017.

  • 9
    No se esperaba el coqueteo usado por el director con el género comedia, parece exclusivo dentro de su repertorio, aunque quizás el comentario carezca de veracidad pues faltan por revisar unas cuantas muestras de Kieslowski, esta viene a ser la tercera de su autoría que tengo la posibilidad de ver, tampoco es mi intención hacer un ensayo, más bien verter impresiones, de modo que, el anterior y los subsecuentes comentarios se basan primordialmente en las tres experiencias (La doble vida de Verónica, Tres Colores: Azul y Tres Colores: Blanco) aunque algo de seguro influirá breves entrevistas con el director, artistas y trabajos tras las cámaras que fueron presenciados luego de este largometraje.
    “Tres Colores: Blanco” se conforma con pistas(evidencias) para que el espectador consiga, al unirlas, formarse un criterio sobre quiénes son los personajes, énfasis en sentimientos y estados de ánimos que a la vez funcionan como catalizador de las acciones y decisiones que toman, para conseguir tal nivel de exposición se usan poses, gestos y desplazamiento en escena por parte de los actores, conjuntamente, vestuario, música, colocación de la cámara y otros elementos que se incluyen en el cuadro (extras, animales y objetos) de forma que el esfuerzo creativo se percibe como un complejo estudio psicológico que otorga al espectador el privilegio de tener acceso a la psiquis de los protagonistas, nada novedoso pero si peculiar y cautivante pues la tendencia, lo que abunda en el medio es enfocarse hacia la historia más que a las personas, acciones más que emociones, entonces, aunque no se aborda una temática nueva, su estilo si lo es, la forma en que se trabaja y presenta el interior de los personajes sí constituye un sello distintivo de Kieslowski, además, el grupo de realizadores preocupados con estas temáticas no abunda, no trascienden o simplemente no consiguen el presupuesto de producción, una realización de este tipo constituye un alto riesgo económico debido a la poca popularidad e interés general en asistir a un cine para ver este tipo de propuestas, de ahí que la “falta de novedad” no deba considerarse como negativo. Aterrizando un poco más en la obra, destaca la desinhibición para hablar de la corrupción y falta de Gobierno en la Polonia post-comunismo, quizás lo positivo de ello consista en poder hablar del país y gobierno sin ser vetado por la censura, la historia habla sobre un hombre despechado a quien su esposa le pide el divorcio por no cumplir con sus obligaciones de alcoba, con inmensas necesidades de probarse capaz emprende un camino que nada tiene que ver con su personalidad y aptitudes, al menos con las que habíamos visto hasta ese momento, concibe y pone en marcha un maquiavélico plan que pone en duda el concepto de éxito, además terminará por revelar la ineficiencia humana para dar la espalda a nuestros sentimientos más genuinos, aquellos que son parte indisoluble de nuestro ser. Mayo-17-2017.

  • 9
    Uno queda prendido a la idea de Bergaman sobre qué es el cine, como se hace y que lejos está de ser un espectáculo de malabarismo, su concepto y trabajo se percibe como sobrio, austero, un calco a las sensaciones más predominantes y dispersas dentro del ser humano, en el caso de esta muestra un acercamiento a lejanos pero sólidos recuerdos que titilan opacos y que resulta complejos organizarlos de forma lógica pues carecen totalmente de ella, en Fanny y Alexander se viaja a un tiempo que difiere del presente en casi todos los aspectos, colores, olores, formas, tradiciones, todo ello se presenta como una conjunto de antiguas pertenencias, un empolvado diario sobre el cual se descubre una vida ajena, diferente pero a la vez comprensible, fácil de empatizar, un molde en el que se formó un carácter y al que observamos con detenimiento para descifrar la intención de cada recoveco y cómo marcó al producto final. 27-Mayo-2017.

  • 9
    Este largometraje constituye el cierre de la famosa trilogía de Kieslowski, comparando con “La doble Vida de Verónica” realizada poco antes, las muestras de la trilogía parecieran relegadas a una categoría inferior, no queriendo decir con esto que carezcan de méritos, la obra entera de Kieslowski escala bien alto dentro de lo más representativo del cine, y de hecho esta trilogía es considerada por muchos como lo más atractivo de su trabajo. En esta última, como era de esperarse, se emplea el Rojo reiterativamente a lo largo de la obra, lo cual pareciera no guardar afinidad con la psiquis de los personajes, quizás pueda vincularse con la futura (no explicita en la obra) atracción entre Valentine y Auguste quienes parecen predestinados a estar juntos, no obstante, la presencia dominante del color ayuda a considerar la ambientación y percibir el humor que de ella desprende. Tres Colores: Rojo prioriza la revelación de los estados de ánimos de los protagonistas, generalmente afectados por la distancia que los separa de otra persona o lugar, aborda el magnetismo y evolución en la relaciones humanas, la química de ello como medio para conseguir plenitud, en ese sentido el largometraje se percibe optimista, ofreciendo tiempo a los personajes para mutar de un estado de animo a otro, quienes se mueven por necesidad emocional, no en pos de la resolución de conflictos asociado con complicaciones u obstáculos de la trama, de modo que la historia resulta menos interesante que los personajes con lo cual la muestra se aparta de lo común y habitual dentro del medio, Kieslowski consigue con ello poner sello a su visión y estilo. Al pensar en el legado de la obra, pareciera dejarnos el mensaje de que las carencias emocionales se llenan a través de la conexión con nuestro entorno (un poco más que la simple adaptación biológica) además a través de las relaciones interpersonales, ello contiene la energía capaz de revertir cualquier condición adversa. 21-mayo-2017.

  • 9
    Anna Magnani interpreta a Mamma Roma una profesional del sexo que llegó a la profesión más por las circunstancias sociales que por falta de moral y de lo segundo carece en abundancia, sus modales, su andar, tono de voz y la carcajada ensordecedora evidencian el tipo de molde en que se fraguó la casta, hay trazas, sin embargo, de tiempos pasados mejores, no referente a su pasado en particular pero al de la sociedad, lo cual se evidencia en la devoción hacia su hijo casi adulto, 17 años y medio, será lo único positivo que ha de presenciarse, pero aún con todo lo alentador y auténtico que es su amor, el medio en el que vive se presenta como una ola oscura que sumerge cualquier tentativa de resurgimiento. Pasolini Y Magnani (quizás alguien más tuvo algo de responsabilidad) crean una prostituta fidedigna, igualísima a esas de las calles, de esas que hay muchas, pero que no se ven en el medio cinematográfico con frecuencia, Mamma no es exactamente atractiva, no destruye matrimonios, no vuelve “loco” a los hombres ni hace exorbitantes sumas de dinero en su profesión; alejarse de esas “garantías” denota valentía por parte de Pasolini quien consigue el éxito delatando las miserias de la guerra con responsabilidad cívica y precisión histórica.

    Desde los comienzos me trajo a la memoria “Ladrones de Bicicletas” la historia de ambas se desarrollan en la misma época y son el reflejo de un país con una sola clase social, los pobres, no querría hablar de política, pero si mencionar, ya que es un pensamiento que no puedo desvincular del sentir que dejaron estas dos muestras: -¡Qué similaridad entre la sociedad italiana de post guerra (finales de los 40’s) con la cubana del presente! quizás la comparación no sea tan exacta dado que las calamidades sociales presenciadas en estos largometrajes son más común de lo que se desearía y tristemente afines a casi todas las culturas, lo impresionante es quizás la exactitud de dos fenómenos específicos: las bicicletas y prostitución como medios de generar sustento, además coincide que dichos fenómenos “tocan” a todo una país, no solamente a las clases sociales inferiores….
    11-abril-2017.

  • 9

    Combinación de record histórico y ficción(basada e inspirada en acontecimientos reales) Assayas mezcla un poco de documentalismo con creatividad en la concepción de esta miniserie (3 episodios) para presentar la justificación ideológica tras los criminales actos terroristas del internacionalmente conocido Carlos, sujeto que inspirado en sus ideales y con el soporte que ofrecía la guerra fría se afilió al bando Rojo para hacer parte de las labores más sucias de la contienda. A pesar que el propio protagonista sentíase participe de una lucha objetiva y en el grupo de la alta jerarquía durante el conflicto Imperialismo Vs. Comunismo, el espectador agudo verá además la lucha interna del hombre por encontrar sitio y pertenecer, por no dejar que se opaque el brillo de la idea que le hizo dar el primer paso, lucha que lastimosamente no ganará. 16-Julio-2017.

  • 9
    Con un tema en mano que alienta a traspasar los límites de la compostura, Oliver Assayas, con disciplina y austeridad, construye su obra con extrema sutileza, rechazando toda oportunidad de espectacularidad, misma que se puede esperar de la muerte de una madre y las contradicciones entre sus descendientes sobre cómo distribuir sus valiosas posesiones (punto de partida y dilema de la muestra) Encarar el dolor de la pérdida, tener que abandonar memorias y los objetos que le dan forma, será la misión de tres hermanos que sufren sin demasiada exteriorización, sus contorciones físicas no es precisamente lo que revela sus sentimientos, es el viaje para crear consenso sobre como disponer de lo último que les queda en común y con vínculo maternal (descontando el lazo sanguíneo). La ecuanimidad y cordura del cómo lo hacen, a pesar de los desacuerdos, de la distancia física y espiritual que los separa, no solo niega cupo dentro de la obra a escenas en extremo emocionales, sino que crea el espacio para un mensaje más longevo y sustancial, el respeto a la opinión, el valor e importancia superior de las relaciones humanas y de familia sobre lo material. 23-Junio-2017.

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    Un pequeño pueblo en el sur americano decide morir, las personas están ajenas a dicha determinación a pesar de las alarmantes señales de decadencia a su alrededor, la inmensidad del mundo y las posibilidades que existen más allá de las fronteras es algo que poco interesa. El concepto de tiempo y utilización del mismo visto con extrema ingenuidad y pesimismo es revelado por las cámaras de Bogdanovish en esta sombría propuesta donde todos mueren, mueren despacio, mueren alegres, inocentes, solo los espectadores incapaces e impotentes por no poder intervenir con al menos un consejo sufren, en el mejor de los casos vemos dudas, vacío, pero incapacidad para emanciparse. Al final parece quedar sin respuesta el dilema de si el sentido a nuestra existencia es algo que existe fuera de nuestra capacidad para definirlo, visto por los testigos que dejamos atrás o si es algo que no tiene la más mínima importancia siempre y cuando nuestro tiempo se llene de sensaciones que ignoran el juicio del mundo exterior, también parece posar la pregunta sobre el valor del conocimiento y la cultura en el ser humano, el arte como alimento del alma, una de las señales que envía el pueblo a sus ciudadanos consiste en que el cine local ha de cerrar por la llegada de la televisión, pareciera que el ritmo de algunas personas es más lento y quedarse atrás a veces (si no están consiente) pues no significa nada. A pesar de percibirse con amargura, la experiencia se disfruta, a veces cuesta mirar y entender por qué la lástima que se siente es algo positivo, si se piensa que quizás la misión del cine es hacer sentir y que en la medida que las sensaciones sean más fuertes, mayor es el impacto en nosotros los espectadores, entonces quizás haga sentido decir que esta es una gran muestra. 11-junio-2017

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    Un niño sin amigos llena ese vacío con un globo rojo, de la relación veremos su capacidad para amar y defender ese sentimiento. El Globo rojo es una celebración a las diferencias, a la determinación humana de perseguir el objeto de sus deseos sin pensar en consecuencias ni costos y la recompensa a dicha perseverancia. Julio-10-2017.

  • 9
    Aquellos que buscan tesoros son, frecuentemente, tildados de locos; Ry Cooder sabía lo que estaba buscando y aproximadamente el lugar donde hallarlo, no con pocos esfuerzos más la ayuda del prestigioso Wim Wenders, persiguen y consiguen desenterrar un antiguo baúl que al desempolvarlo brilló para encandecer a los afortunados que asistieron al prestigioso Carnegie Hall de New York el 1ro de julio de 1999, en él se presentó el conjunto musical cubano Buena Vista Social Club, sus integrantes llegaban a escena rescatados, unos, de no poner mano en sus instrumentos por más de diez años debido a dificultades económicas, otros, de limpiar zapatos para conseguir sustento y similares precarias situaciones, vergonzoso, aún más cuando se aprecia el talento de clase mundial de dichos artistas, con aquella histórica presentación Cooder y Wenders no solo demostraron lo bien que paga y gratificante que resulta el trabajo de “desempolvar estrellas” sino que pegaron un “gancho al hígado” del gobierno cubano y su ministerio de cultura, últimos responsables del abandono a estandartes de la herencia musical de su pueblo, paralelamente se observa la negligencia hacia otras herencias, infraestructura y transporte principalmente, tal denuncia es solo el trasfondo donde reluce la gloria de un movimiento, que si bien rescatado entonces hoy se presume en vías de extinción. El documental de la autoría de Wenders constituye un ejemplo del valor que tiene el Arte y la Cultura en sentido general en la conformación del sentimiento de identidad nacional, muchos apreciarán el talento musical y el trabajo de producción/ realización, los cubanos, además, sentirán orgullo. 27-abril-2017.

  • 8.5
    Con todo y lo positivo que se ha dicho de esta obra, además que unió dos grandes talentos (Jean Cocteau y Jean-Pierre Melville ) no puedo evitar la idea de que la trama se asemeja a una telenovela, obviamente mejor estructurada y actuada, quizás sea la falta de aprecio que este espectador siente por el género NOIR, dos hermanos son víctimas de la dependencia sentimental que los une, cuando uno de ellos logra canalizar sentimientos fuera de aquella jaula, los esfuerzos creativos se vuelcan hacia el poder enfermizo de los celos, obviamente se crea el espacio dentro de la muestra para conceder la oportunidad de conocer a los personajes, principalmente demorando el desarrollo de los, hasta cierto punto, predecibles acontecimientos , la unión entre hermanos es reforzada por el gran parecido físico y sobre ellos cae fuerte la luz del equipo luminotécnico como para que no pase un solo detalle desapercibido por parte de la audiencia, excelente oportunidad para apreciar la relación entre la luz y fotografía, embellecida principalmente por los fuertes contrastes de los claros-oscuros; la temática puede ser atractiva para aquellos que aprecian temas vinculados a conflictos familiares, falta de moral y propósitos, desobediencia social y a los que gustan de presenciar como se aborda de manera retorcida, tergiversada, pero con gran fuerza, establecidos conceptos, en este caso el amor. 7-mayo-2017.

  • 8.5
    Es complejo hacer una película del género suspenso que se perciba primordialmente como forma de arte ya que intrínsecamente llevan la misión de entretener y cuando la audiencia esta entretenida es similar a estar presenciando una función de circo: uno observa al malabarista mientras descuida el color de la carpa, en el caso que se priorice y se consiga crear arte dentro de un largometraje no será distinto a ninguna otra de las manifestaciones (pintura, música, etc) donde prima la contemplación, la apreciación es más compleja y varía de persona a persona, mientras estar entretenido se asemeja a distraerse, contemplar y apreciar se asemejan a abstraerse, entender emociones complejas, pensar en las intenciones del autor y con suerte salir trastornado de la experiencia. Cuando una muestra ronda las fronteras colindantes de ambos bandos (entretenimiento y arte) cuando no pondera ni lo uno ni lo otro es complejo ser sagaz y determinante con un criterio pues obviamente quien se inclina por el cine entretenido encontrará carencias y lo propio para quienes buscan arte, lo positivo sería que existe la posibilidad de experimentar (con menor intensidad) mayor cantidad de emociones, Blow out es un gran ejemplo de ello, donde sin descuidar la inversión de la Producción se incluyen varios aspectos que se perciben con mayor intensión artística, principalmente los efectos de audio (lo cual es el plato fuerte de la trama) y el uso de los colores, Travolta interpreta a un especialista de Audio que trabaja como sonidista en películas bajo costo, mientras se encuentra trabajando en exteriores, recopilando grabaciones para su próximo proyecto, es testigo de un accidente automovilístico en el cual pierde la vida un candidato a la presidencia de EEUU, su micrófono y grabadora captarán lo que será la primera evidencia de lo que parece más atentado que accidente, de ahí en adelante se avalanchan los acontecimiento del simple humano contra todo un mecanismo de corrupción, entonces, lo primero que llega es el entretenimiento, pero solo un poco rezagado se observa la creatividad y visión del director. 3-mayo-2017

  • 8.5
    Cleo, en una ciudad basta como un océano, recorre gran parte de ella en 90 minutos, como para presentar la resolución y determinación de aquella mujer, lo único que le pone frenos es la incertidumbre de no saber sobre un diagnostico que espera, la historia se ubica en Paris a principio de los 60 y parte del mérito de la obra radica en la representación de la ciudad, convirtiéndola en una protagonista de la historia, para ello, Vardá apunta las cámaras no solo a la arquitectura sino a sus personajes en su ir y venir cotidiano, reproduce conversaciones al azar de ciudadanos que no guardan relación con el elenco y casi la totalidad de sus locaciones son en los alrededores de la ciudad, lejos del set, Cleo de 5 a 7 es una mirada a la independencia femenina, aunque la protagonista se presenta carente de virtudes en lo superficial, ello solo constituye una invitación para juzgar más allá de las apariencias. 23-Mayo-2017

  • 8.5
    Dado el gran énfasis que se hace en los diálogos, esta obra de Rohmer pareciera más literatura que Cine, de hecho, es un ejemplo de lo que se pudiera lograr si se concibieran libros audio-visuales, algo así como otra opción a los audio-libros que ya existen hace algún tiempo, la parte hablada es tan densa y absorbente que uno termina olvidando que N. Almendros estuvo a cargo de la cinematografía, la esencia del largometraje nos acerca al tema de la importancia de nuestra imagen; no la exterior sino a cómo somos percibidos por los demás y hasta dónde tenemos control sobre ello, uno de los protagonistas considera que la reclusión social, la elusión de los deseos mediante la supresión de los pensamientos, es la vía para para alcanzar la virtud, ese estado de satisfacción y realización que otros nada o vagamente pueden comprender, lamentablemente lo que él cree podrá coincidir o no con la opinión cada espectador, en lo personal coincido con uno de los personajes secundarios que lo percibe como arrogante e inmaduro, bien puede otro alguien diferir; en ello habrá que reconocer parte de la riqueza de la muestra. Siguiendo con la historia, en el camino de este personaje se atraviesa “la colectora” contraparte femenina que nada le interesa las cuestiones morales y en contradicción es más activa, curiosa y abierta a la experimentación, de hecho, el sobrenombre se relaciona con el hábito de relacionarse con gran variedad de hombres, de variadas formas, pero la más común: sexo; él también será incluido en “la colección”. De Rohmer se dice que fue de los pocos directores que invitaba a la audiencia a ser inteligente, ciertamente, al tratar temas morales, usar extensivamente los diálogos y monólogos (con voz generalmente en off) uno termina involucrado en el debate de aquellos temas “sustanciales” quizás con ello corrió el riesgo de ser tildado de poco entretenido, pero claramente eso no constituyó parte de sus preocupaciones. Sea su estilo más semejante a la literatura que al cine corriente, fuesen sus intereses abordar temas controversiales, personajes que en ocasiones proceden distinto a lo que predican, hay que convenir que su estilo distintivo se agradece como forma de expresión, incluso cuando no sea el que más emociones evoca en el medio. 8-abril-2017

  • 8.5
    Como pudiera escribir algo que haga sentido, si la propia muestra carece totalmente de ello, si tuviese que calificarla, digamos en base a 10 siendo uno equivalente a perdida absoluta de tiempo y 10 excelente, esencial y digna de repetir, no sabría con qué número adornarle, incluso si alguien me dice que es 10 y otro dijera que es uno creo que pudiera coincidir o diferir con ambos, dependería del momento, no sé si es posible o razonable que exista un documental (este es un documental) que dé miedo, pero por momentos fue lo que sentí y de pensarle un poco creo parte de la responsabilidad la lleva la musicalización, el hecho de no tener ninguna experiencia con sustancias psicotrópicas quizás demerite el siguiente planteamiento pero predominantemente se siente como ver Koyaanisqatsi* drogado. Recuerdo pensar que de un momento a otro el documentalista iba a ser atropellado en medio de la calle y ese sería el momento en que aparecerían los créditos finales, no había visto y sin temor a errar me atrevo a afirmar que no existe nada parecido (al no ser del mismo autor) lo cual constituye su mayor mérito: ofrecer una perspectiva y experiencia única a la audiencia, tal parece que Marker nos presenta un reto, desde mi punto de vista el tratar de hilvanar todo aquello puede resultar solo en frustración, no ha de verse como un acertijo ni ofendernos el hecho de que no se entienda, tratando de hablar un poco del contenido (del que YO vi) Sans Soleil es un documental conformado con extractos de diferentes culturas, el autor apunta su cámara hacia personas que encuentra en espacios abiertos, aparentemente sin ningún objetivo específico, pudiera pensarse que su intención es develar la esencia de cada ser humano que filma pero sin preguntarle nada ni consultarle siquiera si puede ser filmado, desconoce el poder de las imágenes conseguidas mas opina que son solo banalidades lo que le interesa y persigue, al producto se le incorpora una hermosa voz en off que lee las cartas que le ha enviado el responsable de las imágenes y quien le cuenta sus experiencias, pero nuevamente estas no son algo lineal y comprensible son una síntesis de interrogantes, apreciaciones conformadas con un lenguaje complejo, un tanto rebuscado y lleno de ambigüedades…¡Eso!... creo que así estaría mejor, solo algunas palabras: Sans Soleil es ambiguo, sutil, alucinógeno, tenebroso, brumoso, incongruente, como ver dentro de la mente de alguien que alucina producto de un alta fiebre que lo mantiene al borde de la muerte. No quiero volver a verlo o quizás sí, no sé, quizás le dé un 8 o quizás un 3, no sé. Lo que sé es que parece más experimento que cine documental.
    *documental que aborda temas sociales.
    13 de abril 2017.

  • 8
    Estrictamente sigue el ideal del reconocido santo católico, un culto a la humildad, no violencia y desprendimiento del mundo material, una visión al complejo mundo de los ideales en los hombres y el poder de las convicciones sobre el accionar humano. 14- junio de 2017

  • 8
    Oshima explora con esta muestra las aptitudes de las personas para hacer el mal y las circunstancias como catalizador de dichas acciones, aun cuando la naturaleza del individuo es totalmente opuesta, aborda el rol de los guías de generaciones menores, en ellos radica el valor humano que será heredado por la sociedad del futuro, recuerdo que encontré cierta semejanza con la muestra de Fellini: I Vitelloni ya que aborda temas morales, sexuales y sobre todo el despropósito, específicamente la falta de orientación y objetivos, ignorancia; aquí es más comprensible, quizás perdonable, pues los protagonistas son adolescentes, mismos que enfocan toda la fuerza de sus laboriosas hormonas masculinas en conseguir el objeto de sus fantasías sexuales y por lo cual llegaran tan lejos como las fantasías mismas, apartando lenta pero eficientemente los obstáculos del camino, dicha sensación llega por el uso excesivo de la canción principal, cantada en los momentos más cruciales de la obra y que hará a algunos espectadores tararearlas incluso después de los créditos finales. De cierta forma la muestra se percibe como un ejemplo eficiente sobre la determinación humana solo que en función de algo vano. 28/abril/2017.

  • 8
    Hacer Humor de las cosas más seria era cosa de Buñuel, lo hacía con valentía y total desinhibición, en Simón del desierto, al igual que en Viridiana, manda al infierno a todo el catolicismo, creo que el hecho de ser ateo me ofrece la posibilidad de verlo así, influye además, en ver más la comedia que cualquier otro elemento en su trabajo, el cual incorpora ataques a la doble moral y la hipocresía, en ocasiones sus personajes religiosos visten una evidente y colorida careta teatral durante la misa, visita a la iglesia o simplemente para pregonar pasajes de la biblia, la cual se quitaran frente a nosotros una vez transcurrido el momento. Su trabajo pudiera percibirse como obsceno, pero si se es del tipo menos conservador uno apreciará cuanto se contiene Buñuel para no serlo, como juega con los límites de lo escandaloso y los modales, incorporando un poco de cada uno en la medida justa, Simón dura solamente 45 minutos y aborda el tema de las convicciones humanas, creencias y determinación, lo presenta como algo inmenso y endeble, batiéndose en la dirección de los vientos de las tentaciones, las necesidades y las características del entorno. 19-abril-2017.

  • 7
    El ejercicio de la voluntad sin medir consecuencias se presenta como un antipático caos que constituye el grueso de la obra. Al final se señala que aquel cúmulo de conductas atípicas y desagradables está dedicado a aquellos que se indignan con facilidad, lo cual arroja un poco de luz a lo que superficialmente se percibe: la persecución de la felicidad a través de una conducta libertina con dosis de ignorancia, desinterés, carencia de modales, cuestionable higiene e irrespetuosidad. Es complejo hablar del legado de una obra cuando la historia se conforma con actitudes opuestas a las creencias del espectador, pudiera pensarse que la realizadora confía en la constante tendencia humana de contradecir y basado en ello muestra algo que traspasa los límites de lo aceptable para conseguir que los espectadores busquen amparo en el antónimo de aquella propuesta, como cuando se alienta sobremanera al niño a que suene la cuchara contra el vaso para que así pierda el interés en hacerlo. Lo que toma 75 minutos bien pudo conseguirse en la mitad de ese tiempo, Daisies, sin embargo, no se desliza linealmente por el conjunto de acciones en que se involucran las dos protagonistas, lo cual quiere decir que no es una historia estructurada de forma tradicional ni persigue entretener, de ella derivan varias posibles interpretaciones e interrogantes con lo cual se fuerza al espectador a hacer uso de las neuronas, bien puede ser una forma de protesta a las rígidas normas sociales, una celebración al valor y emancipación femenina, o si se toma ligeramente, la necesidad o utilidad de conductas humanas “aceptables” lo que sea que quede luego de la experiencia, la mayoría coincidirá en que el discurso escogido por Věra Chytilová es en primer lugar irritante, lo cual debilita cualquier otra intención, quizás el mayor mérito consista en presentar a sus protagonista participando activamente en las decisiones que toman, sus personajes (femeninos) son más de acción que de contemplación, la pasividad y el reposo no constituye una alternativa, muy original la forma de abordar aquello, sobresale la audacia para usar más lo abstracto que lo definido y con ello su obra pareciera realizarse a partir de una pintura y no de un guion . 30-abril-2017.

  • 7
    Los seres humanos de Makavejev parecen guardar una relación inversamente proporcional a los sistemas sociales en los que son organizados, difieren en más cosas de las que concuerdan y aun así se atraen, son curiosos abiertos a nuevas experiencias, otros no, el mundo se muestra pequeño, incapaz de almacenar tanta diversidad, tolerarla o entenderla, los cuerdos temen a los locos, los locos empujan las fronteras que imponen los cuerdos y a veces cuando las traspasan con éxito hay que inyectarlos, encerarlos, amarrarlos o desaparecerlos. Posturas políticas, postura sexual, postura espontánea o premeditada , correcto, incorrecto, morbo y razón que toda la insensatez humana no cabe en 85 minutos de película y al intentarlo salió: -M.R: misterios del organismo- experimental, coqueta, atrevida, no entretiene ni trasciende, salvo dentro de un reducido grupo de conocedores del mundo del cine, para el aficionado curioso trae más preguntas que respuestas, relativa (no absoluta), qué es Orgone, Comunismo, Wilhelm Reich, Stalin, Sexo, al final, durante los últimos 7 minutos (y gracias por ellos) se siente el sabor a cinema, supongo que lo mejor es sentir las dudas, encontrarse perdido y curioso, reconocer que no hay nada que haga sentido, como lo es la parte nuestra relativa a lo que ignoramos: abstracta, confusa, vergonzante pero real. 20-abril-2017.

  • 6
    De que se trata, que persigue y que deja son cosas dudosas, quizás por no contextualizar, pero ahora, a más de 50 años de su estreno pareciera que Sam Fuller confía en la ingenuidad de la audiencia, recuerdo dos secuencias que pusieron a prueba mi paciencia, para colmo escenas decisivas: un asesinato que se logra con un solo golpe del auricular de un teléfono, ¿posible? No creo; otro momento en una estación de policía se encuentra una prisionera que para probar su inocencia deberá identificar a un testigo al cual no recuerda con claridad, una niña de unos 6 años a la cual encontrará al asomarse por la ventana enrejada de su celda jugando tranquilamente con un grupo de niños, ¿cómo, de qué manera un grupo de niños termina jugando en la parte trasera de una celda donde los detenidos pueden verlos con facilidad desde la ventana? Si a ambas pifias se le suma el absurdo de que la sospechosa asume la responsabilidad de interrogar al infante y el facilismo con que consigue una confesión que la eximirá de culpa, entonces habrá que volver la espalda a la trama y buscar méritos en otros aspectos del trabajo creativo, lástima, porque con la escena que abre la muestra parecía bien prometedora: una puesta en escena formidable con mención especial a la colocación de los actores, el ángulo de la cámara, las luces y el apoyo de la música, ello constituía un sólido comienzo pero luego se agregaba más agua que sustancia y el caldito resultante saca más muecas que sudor.27-Mayo-2017.

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